Denise Pollack ist eine zeitgenössische Künstlerin, welche farbenfrohe Arbeiten in einem neuen Stil von Modernem Surrealismus verbunden mit Abstrakter Kunst anfertigt. Sie verbindet abstrakte Kompositionen mit realistischen Darstellungen in einem surrealen Zusammenhang. Diese Mischung basiert unter anderem auf ihren Farb- und Materialstudien, die Sie seit mehreren Jahren begleiten. Die Farbwahl spielt eine wichtige Rolle in ihrer Kunst. Farbe ist entscheidend für alles – vom ersten Gesamteindruck, der Stimmung des Bildes bis hin zur Beeinflussung der Erfahrungen der Betrachter und deren Interaktion. Die Betrachter ihrer Werke mit in der Kunst einzubinden ist mit eines ihrer Ziele. Von Halbplastiken und Reliefs bis hin zur Integration von Licht, Musik oder Instrumenten, welche mit der Einbindung der Beobachter spielen. Ein Hin und Her zwischen der „Unnahbarkeit der Kunst“, dem „Nicht-Berühren-Dürfen“ und dem Teilnehmen als Medium selbst. Sie arbeitet hauptsächlich mit „Mixed Media“ also Mischtechniken aus Acrylfarbe, Ölfarbe, Tinte, Kohle und skulpturalen Techniken und wählt die passenden Medien nach deren jeweiliger Stärken.

Die in Homburg/Saar aufgewachsene Künstlerin lebt und arbeitet im Raum München, sowie in einem kleinen Dorf in Pannonien, das an das Dorf ihrer Kindheit, Kirrberg, heute ein Teil von Homburg, erinnert. Sie malt, wenn möglich, im Freien, wo sie zwischendurch die Augen beim Blick auf die umliegenden grünen Hügel ausruhen kann.

Acryl bis zum Anschlag

Was kann Acryl? Wie kann ich dieses Medium nutzen um im Dialog mit der Leinwand meine Ideen umzusetzen? Die Qualität und das Spektrum der verfügbaren Acrylfarben haben sich in den letzten Jahrzehnten enorm weiterentwickelt, insbesondere das Spiel zwischen matten und glänzenden Flächen, Texturen, transparenten und deckenden Farbschichten gelingt mit Acryl wie mit keinem anderen Medium. In meiner Malerei koste ich diese Möglichkeiten aus um aus realen Motiven haptische abstrakte Bilder zu schaffen.

In der aktuellen Ausstellung „Spuren“ beschäftige ich mich mit Vergänglichkeit. Die Vergänglichkeit einer Sommerliebe etwa, zu der mich ein Gedicht von Jacques Prévert angeregt hat (“ … et la mer efface sur le sable les pas des amants désunis“), oder das Glück oder der Reichtum und Glanz im Leben von Menschen früheren Zeiten, deren Spuren in der Auflösung begriffen sind und die wir daher nur noch ahnen können.

Seit 2014 mehrere Einzelausstellungen vorwiegend im süddeutschen und österreichischen Raum, Teilnahme an internationalen Kunstmessen in Innsbruck, Luxemburg und Budapest. 

Ich male und zeichne  seit meiner Kindheit, auch später während der Jahre der Berufstätigkeit. Ich hatte zunächst  Sinologie und Kunstgeschichte Ostasiens studiert, dann in meinem Hauptfach Politische Wissenschaft Südostasiens promoviert.  Die Auseinandersetzung mit asiatischem Leben und Denken hat mich  geprägt und auch mein künstlerisches Schaffen beeinflusst.  Weitere Quellen  der Inspiration sind mir die Meditation und die Natur.

Seit 1992 begeistert mich die Kunst des Radierens, so dass ich mir die Techniken  bei den Künstlern Rolf Viva  (VHS Saarbrücken),  Herb Löw (Artefix Homburg), Robert Finger und Arthur Redhead (Kunst- und Bildungszentrum des Stiftes Geras Niederösterreich) aneignete.

Beim Radieren fasziniert mich besonders, dass jede Bildidee, auch wenn sie noch so spontan  entstanden ist, in einem langwierigen komplexen Prozess umgesetzt werden muss.
Von 2012 bis 2021 war ich als Dozentin der Freien Kunstschule ARTefix in Homburg tätig
Seit 2000 arbeite ich in meinem Atelier in Heckendalheim

Farbe und ihre Materialisierung, ihre physische Präsenz, stehen im Zentrum meiner künstlerischen Arbeit. Farbe hat eine körperlich-sinnliche Präsenz, denn sie wirkt sich unmittelbar auf das Empfinden und auf die Gefühle aus. Anregungen und Einflüsse kommen aus der Natur, aus dem Erleben der wechselnden Jahres- und Tageszeiten, den Witterungen, dem wechselnden Licht und damit der sich ständig wechselnden Farben in unserer täglichen Umgebung. Das Freihand-Zeichnen und Malen nach der Natur bildet ebenso eine Grundlage für die stärker oder ganz in der Abstraktion verhafteten Leinwandbilder und Papierarbeiten.

Der schöpferische Prozess ist dabei immer ergebnisoffen, Aktion, Abenteuer und Risiko zugleich. Das endgültige Bild ist verdichtete Zeit, vereint die unterschiedlichen Phasen seines Entstehungsprozesses wie übereinander gelegte Einzelbilder eines Films. Übermalte, nicht mehr direkt sichtbare Malschichten bleiben präsent durch ihre Materialität und verdeutlichen den Wachstumsprozess, wie die nicht sichtbaren Jahresringe eines Baumstammes.

Die Erforschung, Erkundung und Untersuchung immer neuer Ausdrucksformen mit bildnerisch-künstlerischen Mitteln ist mein Antrieb. Die Arbeit am Bild kommt zu einem Abschluss, wenn sie zu einer subjektiv erlebten Schönheit führt, die durch inneren Einklang und Übereinstimmung sichtbar wird.

Für seine Arbeit nutzt der Junge Künstler alle Farben die ihn ansprechen. Luc benutzt hauptsächlich Acryl für seine
Malereien. Nicht nur die Farben in seinen Bildern sind besonders, sondern auch die Formen. Herr Paulus legt viel Wert aufGenauigkeit und Ordnung was sich in seinen Bildern widerspiegelt. Seine Inspiration schöpft er aus Alltagssituationen, Erfahrungen, Positive als auch negative Erlebnisse. Aber am meisten Inspiration bekommt er durch den Wald, die Bäume, die Luft. Der Künstler möchte etwas verändern und seiner Kreativität freien lauf lassen.
Bilder sagen mehr als Worte.

Das Reisen, andere Kulturen, insbesondere das pulsierende Leben in großen Metropolen sind die Inspirationen für die Bilder der Ausstellung – Stadt, Land, Meer…. -Die Arbeiten entstehen durch den Wunsch, tief in eine Thematik ein- und abzutauchen, die Umgebung, den Alltag voll und ganz auszublenden, dann immer wieder auftauchen, Abstand nehmen um die Gefühle und Emotionen in konstruktive Bahnen zu lenken. Sichtweisen, Realität, Raum und Zeit wiederum anders wahrzunehmen. Sich dabei von Formen und Farben leiten lassen, mal lasierend, mal deckend oder mit Strukturen, Rost oder Sand, mal ruhig und zurückgenommen, dann wieder kräftig und klar strukturiert.

So entwickeln sich Bilder, die die unterschiedlichen Perspektiven von `tatsächlich Gesehenem´ und `emotionalem Nachträumen´ und somit die unterschiedlichen Perspektiven des Daseins, die Vielfalt der Welt auf der Leinwand widerspiegeln.

Die Schönheiten des Lebens versuche ich durch meine Aquarelle stimmungsvoll festzuhalten. Das hilft mir die Momente der Freude länger zu genießen und mit anderen zu teilen. So kann ich den Alltag durch positive Emotionen verschönern. 

Ausgehend vom Thema Spiel erkundet Gerhard Hotter in seiner Arbeit das bildnerisch-poetische Potential in mathematischen Strukturen. Dabei liegt der Schwerpunkt in der Verwendung der so genannten Langfordschen Zahlenreihen. Sie bilden das Material für umfangreiche und vielschichtige, teils serielle, teils solitäre Bildwerke. Rhythmisierungen, Überlagerungen und Farbgeflechte öffnen den Blick auf eine klare Schönheit der Mathematik und kreieren einen meditativen Gegenpol zur immer deutlicher wahrgenommenen Flüchtigkeit des täglichen Lebens. Die Auseinandersetzung mit dem logischen System von Zahlen führt zu visuellen Strukturen. Das Bildfeld wird rhythmisch gegliedert. Dadurch, dass ein mathematisches System Voraussetzung ist, werden exakte Aussagen über die Struktur möglich. Es ist für Hotter wichtig, dass der Aufbau nachvollziehbar ist – allerdings verlangt er vom Betrachter nicht, die Arbeiten wieder zu dekodieren.